Filmfieber

Handlung (Wikipedia.de):
Val Goldman will Barbara Keely, die Tochter des konservativen Senators Kevin Keeley, heiraten. Der Senator steht derzeit unter Druck, da der Anführer der Gruppe der Politiker, der er sich angeschlossen hat, in einen Sexskandal verwickelt wurde. Als die Presse und dann seine Frau ihn unter Druck setzen, beginnt er die Hochzeit zu befürworten, da sie die traditionellen Werte symbolisieren und gut für das Image sein könnte.

Der Senator ahnt nicht, dass der Vater von Val, Armand Goldman, homosexuell ist, mit seinem Lebensgefährten Albert zusammenlebt und einen Nachtclub besitzt, in dem Albert als Travestiekünstler auftritt. Damit die Hochzeit nicht gefährdet wird, willigt Armand ein, beim Besuch des Senators und seiner Frau eine traditionelle Familie vorzutäuschen. Die Mutter von Val, Katherine Archer, wird gebeten, Armands Ehefrau zu spielen.

Da Katherine sich verspätet, verkleidet sich Albert als Frau und spielt Vals Mutter. Durch turbulente Zwischenfälle kommt die Wahrheit aber doch heraus. In der Zwischenzeit erfahren die Medien über den Besuch des Senators in der über dem Nachtklub gelegenen Wohnung. Die einzige Chance für Kevin Keeley unerkannt zu entkommen ist, sich selber als Transvestit zu verkleiden und unter die Gäste des Nachtklubs zu mischen. Der Plan gelingt, nicht einmal sein Fahrer kann ihn erkennen.

In der letzten Szene sieht man die Hochzeit von Val und Barbara, der genauso Armand und Albert wie auch Kevin Keeley und seine Frau beiwohnen.

Meinung
Endlich mal wieder eine Komödie die wirklich witzig ist. Die meisten Filme die man in der Videothek in der Rubrik Komödie findet verleiten eher höchstens mal zum Schmunzeln, selten aber wirklich zum Lachen. Nathan Lane in der Rolle des tuckigen Schwulen ist einfach zu köstlich. Dieser Film gehört in die Kategorie die schon recht lange in meinem DVD-Regal stehen, die ich aber nicht so wirklich sehen wollte, meistens weil mich der Film nicht angesprochen hat oder ich einfach dachte dass er schlecht bzw. langweilig ist. Aber irgendwann wird so ein Film dann doch gekuckt und immer wieder erlebt man wie in diesem Fall positive Überraschungen. Viel Witz entsteht einfach aus Situationskomik, aber auch der John Wayne im Tütü ist immer wieder für einen Lacher gut. Es ist lustig mit anzusehen wie Albert versucht als Mann aufzutreten nur um Schluß endlich die absolut perfekte Frau zu spielen. Robin Williams spielt nicht so überdreht wie sonst oft zu sehen sondern sehr zurückhaltend und kommt damit wesentlich überzeugender rüber und wirkt glaubhaft. Vor allem die schwule Art kommt bei ihm nur sehr latent durch und man merkt es ihm eigentlich nur an Kleinigkeiten an.
Geene Hackmanns Charakter Senator Kevin Keeley ist Sinnbild für einen großen Teil der amerikanischen Bevölkerung und spiegelt reale Ansichten der US-Politiker wieder, wobei die realen Politiker sich vermutlich nicht auf das amüsante Ende eingelassen hätten.
Der Film macht Spass und weiß zu unterhalten und die Charaktere sind alle absolut liebenswert. Eine ganz klare Empfehlung meinerseits für Leute die ihn noch nicht kennen.

8 / 10

Handlung
Don Vito Corleone, mächtigster Mafiaboss von New York City, lässt bitten: Zur Hochzeit seiner Tochter Connie richtet er ein opulentes Fest mit Hunderten von Gästen aus. Während diese im Garten tanzen, empfängt er im Hinterzimmer Freunde der „Familie“, die ihn um verschiedene Gefälligkeiten bitten. Halb New York steht schon in seiner Schuld.

Doch das Geschäft verändert sich, nach Kriegsende hält der Drogenhandel Einzug in den Alltag der Mafia. Don Vito wehrt sich gegen diesen seiner Meinung nach „schmutzigen“ Geschäftszweig und muss dafür fast mit dem Leben bezahlen: Killer der feindlichen Tattaglia-Familie schießen ihn auf offener Straße nieder. Während der Don sich nur langsam erholt, starten seine Söhne Sonny und Michael einen blutigen Rachefeldzug. Michael erschießt in diesem Zusammenhang den Drogenhändler Sollozzo und den korrupten Polizisten McClusky und muss nach Sizilien fliehen.

Im Land seiner Vorfahren findet der junge Mann eine Frau und heiratet, während seine Familie in Amerika um ihren Stand kämpft. Sein Vater ist zwar einigermaßen genesen, hat aber Mühe, seine Macht gegen die anderen Mafia-Familien zu behaupten. Die Corleones werden von einem Mitglied der Familie verraten: Ein Bombenanschlag, der Michael gilt, tötet dessen Frau. Sein Bruder Sonny wird in Amerika erschossen. Michael – als der jüngste der Corleone-Brüder, für den der alte Don eine bürgerliche Laufbahn geplant hatte – kehrt nach New York zurück und übernimmt die Geschäfte. Mit ungeahnter Brutalität holt Michael zum Rundumschlag gegen seine Feinde aus und verschont dabei auch nicht Mitglieder in seinem nächsten privaten Umfeld.

Meinung
Es ist erstaunlich dass es oft die Filme mit Überlänge sind die einen wirklich in seinen Bann ziehen. Und es gibt überraschend wenig Filme die trotz dieser Länge schlecht sind. So erzählt auch Der Pate in fast drei Stunden die Geschichte der Corleone-Familie ohne dabei auch nur eine Minute zulangweilen.
In der Internet Movie Data Base seit ewigen Zeiten auf Platz eins streiter er sich zusammen mit Casablanca um den Titel bester Film allerzeiten. Dementsprechend viel wurde schon über diesen Film geschrieben, so dass ich hier nichts schreiben kann, was für irgendwen neu sein könnte. Dieser Film ist auch in fast allen belangen perfekt, die Besetzung ist super, die Schauspieler liefern alle klasse Leistungen ab und die Geschichte entwickelt sich und man ahnt die Richtung aber der Film an sich bleibt immer unvorhersehbar.
Für solche Filme wurde das Kino gemacht. Für große Epen wie der Pate zusammen mit seinem zweiten Teil eines ist. Meiner Meinung nach lässt der Film Streifen wie Goodfellas oder Casino weit hinter sich. Für mich ist es defintiv nicht _der_ beste Film aller Zeiten, aber definitiv einer der besten Filme.

Erstaunlich ist, dass die ursprünglich von Coppola vorgelegte Fassung nur 126 Minuten lang war und das Studio auf eine längere Fassung mit mehr Szenen die Familie betreffenden bestanden hat, so dass die endgültige Fassung 50 Minuten länger war als der Director’s Cut.

Das ganze Drumherum um den Film ist auch recht interessant. Das Studio wollte zunächst Brando nicht, weil er als extrem problematisch galt und die Studioleitung war erst einverstanden, nachdem Brando ihnen eine Fertigstellungsgarantie gegeben hat. Nachdem man mit den ersten Probeaufnahmen nicht zufrieden war, gab es Überlegungen Coppola durch Elia Kazan zuersetzen, da man sich erhoffte, dass er besser mit dem problematischen Brando umgehen könnte, aber dieser kündigte an, seinen Vertrag zu kündigen, sollte Coppola entlassen werden.

10/10

Handlung (Wkipedia.de)

Warten in Saigon

Geheimagent Willards Wartezeit in Saigon, geprägt von Alkohol, Langeweile und einem übergroßen Verlangen nach Rückkehr in den Dschungel, stehen am Anfang des Films. „Jede Minute, die ich in diesem Raum verbringe, macht mich kraftloser. Jede Minute, die Charlie im Busch kauert, macht ihn stärker“. („Every minute I stay in this room, I get weaker. And every minute Charlie squatts in the bush, he gets stronger.“) Im Making-of ist zu sehen, dass Film und Realität verschmelzen: Der herz- und alkoholkranke Hauptdarsteller Sheen entblößt sich vor der Kamera so weit, dass reale Verletzungen (Spiegelszene) in den Film übernommen werden. Der Realismus dieser Szenen ist so „erschreckend gut“, dass Martin Sheen trotz langen Krankenhausaufenthaltes wegen Herzproblemen „den Zuschlag“ für die Hauptrolle erhält. Zwei GIs holen Willard zu seinen Auftraggebern, beim Essen werden ihm erste Informationen über sein Ziel in Form von abgefangenen Funksprüchen präsentiert.

Das Dossier

Nur in Teilen und immer wieder bruchstückhaft erfährt der Zuschauer aus dem Dossier: Kurtz, ein militärischer Musterschüler mit Aspirationen auf die höchsten Posten, bat urplötzlich um einen Wechsel zu den Green Berets und wich schon bald von den Richtlinien der Streitkräfte ab. Dass er unautorisiert vier Doppelagenten erschoss, war für die Armeeführung Gelegenheit genug, seine Eliminierung zu befehlen und einen Attentäter auszusenden. Der erste Agent kehrte nicht zurück, also wird Willard ausgeschickt, der sich freiwillig für Geheimaufträge gemeldet hatte.

Bezeichnend für den gesamten Auftrag mag folgendes Zitat sein: „Charging a man with murder in this place is like handing out speeding-tickets at the Indy 500“. In der deutschen Synchronisation: „Einen Mann an so einem Ort wegen Mordes zu belangen, ist wie eine Verwarnung wegen überhöhter Geschwindigkeit beim Autorennen.“

An Bord

Das Patrouillenboot der US-Marine, auf dem Willard flussaufwärts Richtung Kambodscha gebracht wird, fungiert als Spiegelbild der US-Armee. An Bord befinden sich:

* Kapitän Philipps, genannt Chief, absoluter Befehlshaber auf dem Schiff
* Chef, ein Saucier aus New Orleans, der mit dem Krieg eigentlich gar nichts am Hut hat
* Lance, ein Greenhorn, das sich lieber bräunt, Drogen konsumiert und surft, als zu kämpfen.
* Mr. Clean, ein Siebzehnjähriger aus der Bronx, der im Drogenrausch die Routinekontrolle eines Sampans zum Massaker werden lässt.

Willard soll von der Crew Richtung Kambodscha geschifft werden, er bleibt somit ein Außenseiter im Mikrokosmos dieses Bootes, dessen Flussfahrt den roten Faden des Filmes ausmacht. Während die Crew ihrem ‘Alltag’ an Bord nachgeht (Drogenkonsum, Langeweile, Wache schieben), werden dem Zuschauer die Gedankengänge Willards mitgeteilt. Sehr einprägsam nach dem „Beachboys“-Abschnitt (siehe unten) ist Willards Resümee: „Wenn Kilgore den Krieg auf seine Weise führen durfte, begann ich mich zu fragen was sie überhaupt gegen Kurtz einzuwenden hatten. Es war nicht nur Wahnsinn und Mord … davon gab es hier genug, dass für uns alle was abfiel.“

Beachboys

Die Luftkavallerie (Hubschraubergeschwader), die Willards Boot den Fluss aufwärts eskortieren sollte, nähert sich mit einem Mal viel zu nahe der Position des Bootes. Die Hubschrauber landen unter leichter Gegenwehr in einem kleinen Dorf auf dem Weg des Bootes, hier steigt Willard aus, um sich mit dem Bataillons-Kommandeur der Luftunterstützung zu beraten. Coppola selbst spielt hier einen Anweiser für ein Team Kriegsberichterstatter, die Filmmaterial drehen. Schließlich stellt sich heraus, dass der Kommandeur gar nichts von dem Eskortbefehl weiß. Wenige Minuten vorher verteilte der Befehlshaber des Bataillons, Kilgore, noch gut gelaunt Spielkarten auf gefallene Vietcong. „Deathcards, lets Charlie know who did this“ (dt. “Totenkarten, damit Charlie weiß, wer das getan hat.”)

Der Einzige, der den surfbegeisterten Kilgore zum Abbruch seiner Selbstinszenierung bringt, ist Lance B. Johnson, Vietnam-Neuling und junge Surfhoffnung Amerikas in Personalunion, der zufällig Teil von Willards Begleitcrew ist. Am Abend gibt es Lagerfeuer mit eingeflogenem Bier und Steaks. Kilgore klimpert auf einer Gitarre, doch glaubt der Agent: „The more they tried to make it just like home, the more they made everybody miss it.“ (dt. Je mehr sie versuchten, es genauso wie in der Heimat zu machen, desto mehr wurde die Heimat von jedem vermisst.)

Für den nächsten Tag befiehlt Kilgore den Angriff auf ein kleines von den Nordvietnamesen besetztes Dorf, weil es vor dessen Küste sechs Fuß (ca. 2 Meter) hohe Wellen gibt. Hier soll Lance surfen und damit nicht nur ein Schauspiel bieten, sondern auch den Unterschied zwischen Vietkong und den US-Streitkräften herauskehren: „Charlie surft nicht!“ („Charlie don’t surf!“) Als Kilgore dann aber Napalm anfordert, um ein gut verteidigtes Waldstück zu verbrennen, bringt das den Wind durcheinander und zerstört den Wellengang. Zuvor sagte Kilgore: „Ich liebe den Geruch von Napalm am Morgen. [...] Es riecht… wie nach Sieg.“

Dieser Filmabschnitt ist eine der ersten Begegnungen mit dem Irrealismus und dem Wahnsinn der Beteiligten des Krieges, der Surrealismus der Szenen ist unübersehbar, so befiehlt Kilgore zwei Soldaten das Surfen, um den Wellengang zu nutzen, während am Strand noch immer Einschläge zu sehen sind und Kilgore mehrfach beinahe getroffen wird. Auch im Wasser kann man Einschläge erkennen, die die Surfer nur knapp verfehlen. Willard und seine Begleiter fliehen schließlich unter den Bitten Kilgores um eine kleine Surfeinlage von Lance („Lance, das war der Scheiß-Napalm! Warte doch … nur 20 Minuten!“)

Perfektioniert wird die Niederlage („Charlie surft nicht, Lance ebenso wenig“) durch den Diebstahl von Kilgores Lieblingssurfboard durch Capt. Willard, woraufhin Kilgore die ganze Einheit den Fluss absuchen lässt.

Playboybunnys

An der Station zu Hau Phat trifft die Crew am richtigen Tag ein: Eine frisch eingeflogene USO-Show steht auf dem Veranstaltungskalender. Miss August, Miss May und das Playmate of the Year geben sich die Ehre und erscheinen in Cowboy- und Indianer-Kostümen auf der Bühne. Nachdem die Mädchen mit ihren Spielzeugrevolvern in die Zuschauermenge schießen, beginnt ein Tumult und die Frauen werden überstürzt ausgeflogen.

Dies bringt sie in jene aussichtslose Lage, noch weiter flussaufwärts ohne Treibstoff in einem desolaten Lager notzulanden – und später bei Willard Treibstoff gegen Sex mit den deutlich verstörten Mädchen tauschen zu müssen.

Do-Lung-Brücke

Trotz aller Erwartungen, die der Zuschauer an eine amerikanische Frontlinie stellt, die Do-Lung-Brücke wird sie nicht erfüllen. Der letzte Stopp vor dem Gebiet, in dem es keine US-Armee mehr, sondern nur noch Kurtz gibt, ist ein Halt im totalen Chaos, wo Verzweiflung und Grabenkampf das Bild beherrschen. Kaum kommt das Boot in die Nähe der Brücke, um die von fern Explosionen lodern, während eine Lichterkette die Brücke selbst deutlich hervorhebt und Leuchtkugeln die Szene surreal beleuchten, versuchen Deserteure ihren Rückweg zu erschwimmen. Interessant an diesem Abschnitt ist, dass man nicht einen einzigen Vietkong zu sehen bekommt und sich bald das Bild aufdrängt, dass die Soldaten gegen Phantome kämpfen oder schon alle um den Verstand gekommen sind. Im Hintergrund hört man über Lautsprecher Schreie, psychedelische Geräusche und undefinierbare Klänge. Drogen, Desorganisation, Angst, Panik, Tod, Leiden und kopflose Militäraktionen bestimmen den Ort. Auf die Frage Willards, wer denn hier der kommandierende Offizier sei, antwortet ein hysterischer Soldat symptomatisch: „Nicht Sie?“ („Ain’t you?“). Ein anderer feuert wild mit einem stationären MG immer wieder auf offenbar bereits tote Vietkong aus einer Sandsackstellung heraus. Wieder sieht man jedoch nichts von den angeblichen Zielen. Willard trifft trotz des Chaos einen Kontaktmann, Lieutenant Carlson, der ihm aktuelle Instruktionen zu seinem Auftrag überreicht und sich mit den Worten „Sie glauben gar nicht wie glücklich ich jetzt bin, Sir“, daran macht zu verschwinden. Als Willard nachfragt, spricht Carlson aus, was man sich beim Anblick schon ohnehin dachte: „Jetzt kann ich hier raus, wenn ich eine Möglichkeit finde!“ und „Hier sind Sie am beschissenen Arsch der Welt, Captain!“ Krönender Abschluss dieser Szene ist das Einstürzen der beschossenen Brücke hinter dem abfahrenden Boot.

Auf französischem Boden

Aus dem Nebel tauchen Ruinen auf und schon steht die Besatzung vor französischer Übermacht. Mr. Clean, der bei einem Angriff auf die Nellie (das Patroullienboot) sein Leben ließ, wird hier bestattet. Beim gemeinsamen Abendessen mit den französischen Plantagenbesitzern kommt es zu heftigen Diskussionen unter den Gastgebern. Willard wird angefleht, aus den Fehlern der Franzosen zu lernen und diesen sinnlosen Krieg zu beenden. Bei Tisch mit dem amerikanischen Offizier geraten die anwesenden Franzosen in eine hitzige Diskussion über die verlorene Schlacht von Điện Biên Phủ. Einer nach dem Anderen verlässt wütend den Raum. Beim Zuschauer entsteht der Eindruck einer Parodie auf die französischen Gesellschaftsfilme, wo sich Franzosen in fröhlicher Runde am Wochenende in der Provinz treffen.

Kurtz oder: The Horror

Aufgespießt von einem Speer bei einem abschreckenden Überfall mit ansonsten ungefährlichen Holzpfeilen versucht der Chief, zum Schutz seiner noch lebenden Kameraden Willard mit in den Tod zu reißen. Es misslingt. Wie aus dem Nichts tauchen plötzlich Kanus mit weißbemalten Kriegern auf. Sie beschützen eine Anlegestelle, die zu einer breiten Treppe mit Steinfiguren (den Gesichtertürmen historischer kambodschanischer Tempel nachempfunden, siehe auch Bayon) führt. Ein Fotojournalist, der einzige ausgesprochene Fan Kurtz’ – „He’s a poetwarrior in a classic sense“ („Er ist ein Poet und Krieger im klassischen Sinne“) – lotst die Crew zwischen Minen zum Ufer.

Zwischen bewaffneten Einheimischen − Leichen und Lebende halten sich hier die Waage – steigen Willard und Chef die Treppen hoch und treffen den zuerst ausgesandten Spion mit einigen Kameraden, umringt von Frauen und einer Schar Kindern. Willard wird allerdings schnell durch die abgehackten Schädel im Hintergrund abgelenkt. Also Rückzug zum Boot. Chef bleibt an Bord, um notfalls mittels „Code Almighty“ die gesamte Siedlung auszulöschen und Willard unternimmt mit Lance eine zweite Exkursion.

Der Agent wird gefangengenommen und zu Kurtz gebracht. Zwischen den beiden entwickelt sich ein langes Gespräch, in dem der Agent vom Oberst als ein „Laufbursche, von Kolonialwarenhändlern geschickt, (um) die Rechnung vorzulegen“ („You’re an errand boy, sent by grocery clerks, to collect a bill“) entlarvt wird. In einer sehr unbequemen Position sitzend gefesselt erhält Willard dann ein grauenerregendes Präsent von Kurtz in seinen Schoß: Chefs abgehacktes Haupt. Der Zuschauer erfährt die simple Dialektik des Colonel Walter E. Kurtz: „Horror and moral terror are your friends, if they are not, then they are enemies to be feared.“ (dt. „Das Grauen und der moralische Terror sind deine Freunde. Falls es nicht so ist, sind sie deine gefürchteten Feinde. Sie sind deine wirklichen Feinde.“)

Während der folgenden Zeit kommt auch Willard der Wildnis näher, um dann auf Befehl des Dschungels Kurtz mit einer Machete zu töten. Nachdem Willard die wichtigsten Papiere und Aufzeichnungen Kurtz’ unter den Arm gepackt hat, erscheint er vor dem Tempel; als er am Ausgang steht, sieht man wie sich alle Eingeborenen vor ihm auf den Boden werfen. Die Kamera fixiert seinen Kopf, der sich zur einen Hälfte im Licht und zur anderen Hälfte im Schatten befindet. Hier soll er sich entscheiden: für das Licht – er beendet seinen Auftrag – oder für den Schatten – er übernimmt Kurtz Platz. Er entscheidet sich für das Licht, um dann symbolisch die Machete hinzuwerfen, das Funkgerät auszuschalten und mit Lance auf der Nellie flussabwärts zu fahren.

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Meinung
Apocalypse Now gehört zusammen mit Der Soldat James Ryan und Platoon sicherlich zu den besten Kriegsfilmen überhaupt, wobei mir sicherlich noch eine vielzahl von Genrevertretern fehlen. Er hat den Wahnsinn des Krieges an sich und zum Thema und er stellt bildlich dar, dass der Wahnsinn größer wird, je mehr man Bestandteil des Krieges wird und wie sich mit zunehmender Kriegsdauer der Wahnsinn immer weiter vergrößert und schließlich sogar ins Surreale, kaum noch wahrnehmbare abgleitet. Dies wird im Film sinnbildlich durch die Bootsfahrt gezeigt, die sich wie ein roter Faden durch den Film zieht.
Schon die anfänglichen Szenen wirken zwar real aber doch sehr bizzar.

Es sind die klassichen Szenen, die man mit Apocalypse Now verbindet, der Hubschrauberangriff auf ein von Nordvietnamesen besetztes Dorf unterlegt mit Wagnermusik um den Gegner zu ängstigen der nur aus dem Grund überhaupt geschieht weil der General die zwei Meter hohen Wellen am Strand des Dorfes zum Surfen nutzen will. Das ganze gipfelt in der realitätsfremden Begegnung mit Cln Kurtz in einer fast schon mystischen Umgebung wo der Film in tranceartigen Szenen schließlich sein Ende findet.
Das permanente Voiceover erlaubt einen Einblick in die Gedanken Willards und schafft eine unglaubliche Nähe, die trotz der Taten Willards die man eigentlich verurteilen würde bestehen bleibt.

Der Film ist einfach ein Klassiker. Schon der Anfang des Dorfes im Bombenhagel unterlegt mit dem Song The Ende von The Doors gibt eindeutig die Richtung des Films vor. Er bietet Action und atemberaubende Bilder in einer beklemmender werdenden Atmosphöre gepaart mit einem unglaublichen Tiefgang, angereichert mit Metaphern und Symbolen und einer beindruckenden Soundkulisse und man ist unglaublich dankbar dass die 45 Minuten längere Reduxversion komplett neu synchronisiert wurde. Leider hat mir eine ziemlich zerkratze DVD den Filmgenuß durch zahlreiche Ruckler etwas zerstört und mir die letzten Minuten vorenthalten nachdem Willard Kurtz getötet hat.

9 / 10

Handlung (Wikipedia)
Im Jahr 2027: Die Menschheit hat seit 2009 die Fähigkeit verloren, sich fortzupflanzen, der Untergang der menschlichen Rasse ist wahrscheinlich nicht mehr aufzuhalten. Die Welt ist von Gewalt und Chaos geprägt, Umweltzerstörung, Terrorismus, Hysterie und staatliche Unterdrückung bestimmen das alltägliche Bild. Der Ort der Handlung ist Großbritannien, das sich vom Kontinent abgeschottet hat und versucht als Polizeistaat die Kontrolle zu behalten. Ausländische Flüchtlinge werden rigoros verfolgt, eingesperrt und in ghettoartige Aufnahmelager abgeschoben. Diese Praxis wird von terroristischen Untergrundorganisationen wie den „Fishes“ bekämpft.

In dieser Situation wird Kee, eine junge, illegale Immigrantin, als erster Mensch seit 18 Jahren schwanger. Über seine Ex-Freundin Julian, die mittlerweile eine Anführerin der Fishes ist, erhält der in Depressionen und Desillusion verfallene Regierungsagent Theodore Faron die Aufgabe, die junge Frau und das ungeborene Baby an einen sicheren Ort zu bringen. Ziel ist das mysteriöse „Human Project“, ein geheimer Zusammenschluss von Wissenschaftlern, die am Fortbestehen der menschlichen Rasse forschen und auf einem Schiff vor der Küste erreichbar sein sollen.

Die Reise entwickelt sich für Theo und Kee zur Flucht, als Mitglieder der Fishes Julian töten um das Baby für ihre politischen Ziele zu nutzen. Über verschiedene Stationen gelangen sie in das „Aufnahmelager“ Bexhill, wo Kee ein Mädchen zur Welt bringt.

Ausgelöst durch den Einbruch einer Gruppe von Fishes-Aktivisten in die hermetisch abgeriegelte Stadt entwickelt sich ein erbitterter Häuserkampf zwischen der britischen Armee und den Aufständischen. Durch eine – allein aufgrund der Anwesenheit des Babys ausgelöste – kurzfristige Waffenruhe gelingt es den beiden, dem apokalyptischen Kriegsschauplatz zu entkommen und auf einem kleinen Ruderboot den Treffpunkt mit dem Schiff zu erreichen. Aufgrund einer vorher unbemerkten schweren Verwundung erlebt Theo allerdings die Ankunft des Schiffes nicht mehr.

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Meinung:
Selten hat mich ein Film zugleich so sehr enttäuscht und zugleich begeistert wie Children of Men. Enäuschend ist die Story. Es geht wirklich nur darum Theo Kee zur Freedom bringt. Das dauert gar nicht mal so lang, die zwei haben nur zwei relativ handlungsarme Stationen. Der Film lässt mir persönlich zu vieles im Dunkeln. Warum ist die Menschheit unfruchtbar, was ist in New York passiert, warum ist Groß Britannien der zentrale Anlaufpunkt für alle Flüchtlinge, warum bekriegen sich alle, etc. pp. Für mich waren das zentrale Fragen die sich im Filmverlauf gestellt haben und man hatte anfangs noch die Hoffnung, dass der Film einfach eine absolut starke Erzähltechnik hat und diese Details im Storyverlauf nebenbei erklärt, etwa als Randbemerkungen der Darsteller, sei es auch nur durch unbedeutenden Nebendarsteller. Aber man wird als Zuschauer vollkommen im Dunkeln gelassen. Bei manchen Filmen wie Mulholland Drive funktioniert dass und macht gerade den Reiz aus, hier enttäuscht es. Die Geschichte an sich hat absolut keinen Tiefgang. Da habe ich mir deutlich mehr erwartet, zumal der Film doch sehr viel potential hat.

Doch was hat begeistert? Das gezeigte Zukunftsszenario wirkt sehr realistisch, die Welt könnte in 20 Jahren wirklich so aussehen. Es ist wie der Sprung von 1987 ins Jahr 2007. Es hat sich nciht wirklich viel getan, keine fliegenden Autos oder Raumstationen im All sondern es gibt viele kleinere und größere technische Fortschritte die man auf den ersten Blick gar nicht wahrnimmt. Die gezeigte Welt wirkt real und nimmt sehr oft bezug zu aktuellen weltpolitischen Themen und im Grunde wird eine Welt gezeigt die einige heutige Entwicklungen fortführt und in sehr extreme Bahnen lenkt.
Aber im Endeffekt ist mir das zu wenig. Sobald absehbar ist, dass die Geschichte nicht mehr Tiefgang bekommen wird und dass die offenen Fragen offen bleiben werden weicht die anfängliche Begeisterung ob der tollen Optik und der vielen schönen Uncutszenen einer tiefen inneren Leere.

5 / 10

Handlung (Wikipedia)
Während der Fahrt einer festlich gekleideten dunkelhaarigen jungen Frau (Laura Harring) über den Mulholland Drive in Los Angeles kommt der schwarze Wagen plötzlich zum Stillstand. Fahrer und Beifahrer zwingen sie, mit einer Pistole in der Hand, auszusteigen. Doch noch bevor sie aus dem Cadillac steigen kann, kommt es zu einem folgenschweren Zusammenstoß mit einer weißen Limousine. Die Dunkelhaarige ist die einzige Überlebende und flüchtet vom Unfallort. Sie versteckt sich in einem Apartment in Los Angeles, welches gerade von einer älteren Dame verlassen wird.

Am nächsten Morgen kommt die junge Betty (Naomi Watts) in Los Angeles an. Am Flughafen in Los Angeles verabschiedet sich Betty von ihren Reisebegleitern, einem älteren Ehepaar, das ihr viel Glück in ihrem weiteren Leben wünscht. Das Ehepaar ist kurz darauf nochmals in einer schwarzen Limousine zu sehen, beide lachen höhnisch und grinsen sich an.

Betty träumt von einer großen Karriere in Hollywood und bezieht das Apartment ihrer Tante, die längerfristig nach Kanada verreist ist, um dort einen Film zu drehen. Zu ihrer Überraschung findet sie dort unter der Dusche eine verstörte, dunkelhaarige Frau (das Opfer des Verkehrsunfalls) vor. Betty fragt sie nach ihrem Namen, doch die Unbekannte hat diesen vergessen. Sie erblickt auf einem Filmplakat von Gilda den Namen Rita Hayworth und gibt sich kurzerhand als Rita aus.

Im Schnellrestaurant Winkie’s berichtet ein ängstlicher Mann einem anderen von seinem Traum, in dem er ein furchtbar aussehendes Gesicht hinter jenem Schnellrestaurant sieht. Der Selbstsichere will dem Ängstlichen seine Angst nehmen, und sie gehen hinter das Gebäude. Plötzlich taucht jenes “Monster” aus dem Traum auf. Dabei kollabiert der Ängstliche und bricht zusammen. Der Andere legt dabei noch seine Hand an den Hals des Kollabierten, um seinen Puls zu fühlen.

Währenddessen wird dem Regisseur Kesher (Justin Theroux) vorgeschlagen, wer die weibliche Hauptrolle in seinem neuen Projekt spielen soll. Er lehnt die vorgeschlagene und bisher unbekannte Camilla Rhodes empört ab, woraufhin man ihm das Projekt entzieht. In seiner Wut gegen die Castigliane-Brüder, die ihm Camilla Rhodes aufzwingen wollen, zertrümmert er die Windschutzscheibe und Motorhaube von deren Auto. Danach fährt er nach Hause, wo er seine Frau beim Seitensprung mit einem Handwerker ertappt. Er schnappt sich ihren Schmuck und übergießt ihn mit Farbe. Dabei gerät er in einen heftigen Streit mit ihr. Daraufhin greift ihn der Handwerker an und schmeißt ihn aus seinem eigenen Haus hinaus.

Zur selben Zeit erschießt ein Auftragsmörder seinen Kollegen, der ebenfalls Killer ist, um in den Besitz eines Notizbuches zu kommen. Wegen eines Missgeschicks, bei dem er aus Versehen durch die Zimmerwand schießt, muss er die aufmerksam gewordene Nachbarin und eine Reinigungskraft ebenfalls erschießen. Als er auch noch den laufenden Staubsauger “erschießt”, wird durch die Rauchentwicklung der Feueralarm ausgelöst. Er muss überstürzt fliehen und macht sich auf die Suche nach einer Dunkelhaarigen.

Betty telefoniert unterdessen mit ihrer Tante und erfährt, dass diese keine Rita kenne. Rita gesteht schließlich, dass sie sich in Wahrheit an nichts erinnern kann, außer einem Unfall auf dem Mulholland Drive, und nicht einmal wisse, wer sie sei. Schließlich öffnen sie Ritas Handtasche in der Hoffnung, in dieser einen Ausweis zu finden. Doch zu ihrer Überraschung befinden sich in dieser vier Bündel Geldscheine und ein seltsam anmutender blauer Schlüssel. Betty verwahrt die Tasche in einem Schrank und verspricht Rita, ihr zu helfen.

Beim Lokal Winkie’s erkundigen sich die beiden Frauen mittels Münzfernsprecher bei der Polizei, ob es letzte Nacht einen Unfall auf dem Mulholland Drive gegeben hat. Anschließend gehen sie ins Lokal, wo Rita auf dem Namensschild der Bedienung den Namen Diane liest und glaubt, selbst so zu heißen.

Unterdessen sucht Adam Kesher in einem heruntergekommenen Park Hotel Unterschlupf. Der Manager “Cookie” erzählt Adam, dass zwei Männer von seiner Bank vorbeigekommen sind, um ihm mitzuteilen, dass Adams Konto leer ist. Er stellt sich nun die Frage, wie diese seinen Aufenthaltsort herausbekommen haben. Adam kontaktiert daraufhin seine Mitarbeiterin Cynthia. Diese teilt ihm mit, dass er auf eine verlassene Ranch fahren solle, um dort einen “Cowboy” zu treffen, der ihm helfen will. Adam macht sich auf den Weg zur Ranch, wo nach einiger Zeit der “Cowboy” erscheint. Er fordert Adam auf, ein erneutes Casting zu machen, in dem er Camilla Rhodes für die Hauptrolle engagieren soll. Er bekommt mitgeteilt, er würde den “Cowboy” noch einmal sehen, wenn er es richtig macht, und zweimal, falls er es falsch machen sollte …

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Mulholland Drive ist ein Film, mit dem man ein ganzes Schulhalbjahr Deutsch LK füllen könnte. Er ist prall gefüllt mit Metaphern und Symbolen. Die Geschichte ist derart verworren, dass man den Film und die Figuren und Symbole darin auf zig verschiedene Arten deuten kann. Liest man eine Interpretation des Films, so erscheint einem alles scheinbar schlüssig, liest man dann eine andere, die sich dem Film von einer anderen Seite nähert, so kommt einem diese genau so plausibel vor. Es gibt wahrlich keine Interpretation des Films, die alle offenen Fragen beantworten kann. Selbst bei einer in sich schlüssigen Betrachtungsweise bleiben immer einzelne Elemente die nicht reinpassen.
Der Film teilt sich im Grunde auch wieder in zwei Hälfte, die erste dauert fast zwei Stunden, die zweite dauert dann nur ca. 20 Minunten. In der zweiten Hälfte haben die vorher eingeführten Charaktere auf einmal andere Namen und Identitäten. Die gängige Deutung ist, dass die erste Hälfte ein Traum ist und die zweite die Realität zeigt. Aber das kann auch nicht die wirklich Lösung sein, weil es die Mysterien der zweiten Hälfte nicht erklärt, etwa die Bedeutung der blauen Box oder das erneute auftauchen des alten Ehepaares. Natürlich können es auch einfach Symbole sein die Lynch auch der Realität benutzt ohne dass die Realität deswegen nich mehr Realiät ist.

In einer anderen Theorie handelt es sich nicht um Theorie sondern es werden Bezüge zur antiken Literatur aufgezeigt. So werden die zentralen Symbole des Films, das Monster, die blaue Box und das alte paar als Vertofflichung von Schicksal und Vorbestimmung gedeutet. So ist z.B. Rita im ersten Teil eigentlich der Tod vorbestimmt, was auch am Anfang ja gezeigt wird. Sie stirbt auch aber akzeptiert ihr Schicksal nicht und biegt querfeldein von der Straße des Todes ab (was wir ja auch am Anfang zu sehen bekommen). Daher ist sie eher zurückhaltend bei der Erforschung ihrer Identität. Diese Theorie wird im zweiten Link sehr ausführlich erläutert und ich persönlich finde es ist die interessanteste.
Man kann diesen Film sehen und danach stundenlang über mögliche Deutungen diskutieren. Zu einem Ergebnis wird man nicht kommen aber es macht einfach Spass sich derart mit einem Film überhaupt auseinander setzen zu können.

Diesmal gelingt es Lynch vor allem ausnahmsweise seinen Film nicht so aussehen zu lassen, als wäre er zwanzig Jahre vor dem Produtionsjahr gedreht worden.
Wobei recht interessant ist, dass der Film eigentlich wirklich zehn Jahre älter ist als er ist. Lynch wollte Anfang der 90er Jahre nach Twin Peaks eine weitere Fernsehserie drehen, die die Traumfabrik Hollywood als zentrales Thema hat. Doch nach Fertigstellung des Pilotfilms wurde das Projekt von ABC verworfen.
Lynch arbeitete schließlich für The Straight Story mit einer französischen Produktionsfirma zusammen, die schließlich auch die Vollendung von Mulholland Drive ermöglicht hat. Da es jetzt ein eigenständiger Film werden sollte musste natürlich einiges angepasst und neu gedreht werden, so dass die Schauspieler nach fast zehn Jahren nochmal erneut engagiert werden mussten, was man etwa Naomi Watts in der Restaurantszene auch deutlich ansieht.
Mit diesem Hintergrundwissen fragt man sich bei der Analyse dann doch schon ob manche Szenen im Film im Grunde wirklich keine wirkliche Bedeutung haben, sondern zu späteren Verwendung in der Serie gedacht waren.

Alles in allem sicherlich Lynchs bester Film, der allerdings recht deutliche parallelen zu Lost Highway hat.

Der Film hat wirklich duzende Deutungsmöglichkeiten. Da ist einmal die blaue Box das Verbindungsstück zwischen Paralleuniversen, mal ist Seelenwanderung des Rätselslösung, mal ist alles fiktiv mal ist alles real. Ich denke für diesen Film gibt es keine endgültige und richtige Lösung. Keine Wahrheit von der Lynch geschickt ablenk und die man entschlüsseln kann, wenn man alle Symbole “richtig” deutet. Es macht aber Spass sich so mit einem Film auseinandersetzen zu können, denn so ist jeder Sichtung immer wieder ein Erlebnis für sich und der Film wird dadurch dass man die Story schon komplett kennt nicht langweiliger, sondern im Gegenteil interessanter, da man so seine nach dem letzten Sehen aufgestellte Theorie überprüfen kann und gleichzeitig darauf achten kann, ob andere Theorien nicht auch möglich sind.

Auch wenn das ganze einen natürlich ziemlich konfus dasitzen lässt, wünschte ich mir doch, es gäbe mehr Regisseure die solche Filme drehen würden.
Ansätze gibt es ja immer wieder, so lässt z.B. “Memento” dem Zuschauer auch im Endeffekt Raum für eigene Intepretationen (ist Lenny Sammy? Hat Lenny Elemente von Sammy für seine eigene Geschichte übernommen, etc.) ist dabei aber viel eingänglicher und bedient sich auch nicht so vieler Symbole.
Ganz klar Daumen hoch für David Lynch in diesem Fall. Vor allem die Wahl der Schauspieler ist hervorragend getroffen wollen. In INLAND EMPIRE spielt ja leide Laua Dern wieder die Hauptrolle, man darf sehr gespannt sein, ob es Lynch gelingt sich noch weiter zu steigern oder ob Lost Highway / Mulholland Drive seine Höhepunkte waren.

Wer sich etwas mit den Analysen des Films beschäftigen möchte, hier ein paar zufällig ausgewählte Links:
http://www.themodernword.com/mulholland_drive.html
http://www2.hu-berlin.de/klassphil/allgemein/Wittchow1.pdf
http://www.mulholland-drive.net/home.htm

10 / 10

Handlung (Wikipedia)
Andrea Sachs, genannt Andy, Absolventin der Northwestern University, bewirbt sich als zweite Assistentin von Miranda Priestly, der Chefredakteurin der Modezeitschrift „Runway“. Die Zeitschrift ist führend in der Modebranche, Andy sieht diesen Job als Qualifikation und Sprungbrett für größere Aufgaben. Von Mode hat sie keine Ahnung, hört jedoch von verschiedenen Personen, dass für diesen Job Millionen Frauen sterben würden. Die Angestellten, insbesondere die erste Assistentin Emily, machen sich über Andy lustig, da sie in ihren Augen vollkommen unmöglich gekleidet und dazu mit Kleidergröße 36 viel zu dick sei.

Als Priestly eintreffen soll, herrscht helle Aufregung in den Büros: Die Chefin kommt einige Minuten früher als geplant, wofür alles vorbereitet werden muss. Andy wird dabei vergessen und sitzt bis zum Eintreffen der Chefin verloren auf einem Stuhl herum. Miranda erkundigt sich nach der unbekannten und „unmöglich“ aussehenden Person und bittet sie persönlich zum Gespräch. Enttäuscht von vielen Modepüppchen, die zuvor als Assistentinnen versagt haben, gibt Miranda Andy den Job.

Die ersten Wochen sind für Andy, die von Miranda immer Emily gerufen wird, die Hölle. Nach und nach lernt sie jedoch, immer besser klarzukommen, die „echte“ Emily hilft ihr dabei. Sie wird dabei nicht müde zu betonen, wie begehrt dieser Job sei, auch wenn sie permanentem Stress ausgesetzt sei und dazu noch lausig bezahlt werde. Andy nimmt sich vor, zumindest ein Jahr durchzuhalten. Irgendwann, als Symbol für die Anerkennung der Kollegen, gibt ihr Nigel, einer der Autoren des Blattes, ein Paar Stöckelschuhe mit der Bitte um Anprobe. Nachdem beide feststellen, dass die Schuhe gut aussehen, führt Nigel Andy in die Kleiderkammer, bemerkt allerdings, dass für Größe 36 nur schwer etwas zu finden sei. Von nun an beginnt die Verwandlung von Andy von der grauen Maus in eine dem Job angemessene und modisch gekleidete Frau. Irgendwann nennt Miranda sie nicht mehr Emily, auch die Anerkennung der Kollegen wächst. Nach und nach führt das zu Spannungen in ihrem Privatleben und gipfelt in einem Abend, an dem sie keine Zeit hat, beim Geburtstag ihres Lebensgefährten dabei zu sein, dem Soßenkoch Nate.

Mirandas Erwartungen sind oft unerfüllbar. Eines Abends möchte sie zurück nach Hause fliegen, aber wegen eines Wirbelsturms wurden alle Flüge abgesagt. Trotzdem erwartet sie von Andy, ein Flugzeug aufzutreiben. Als Andy dies nicht gelingt, zeigt sich Miranda tief enttäuscht. Im Laufe der Zeit erfüllt Andy inzwischen aber die überzogenen Erwartungen von Miranda, die jedoch nicht dazu neigt, das auch anzuerkennen. Selbst die Forderung, den neuen, noch unveröffentlichten Harry Potter-Band zu besorgen, wird mit der Hilfe eines befreundeten Kolumnisten erfüllt.

Anstatt Emily, die eine schwere Erkältung bekommt, soll Andy, die inzwischen auf Kleidergröße 34 abgemagert und damit auch körperlich bei ihren Kolleginnen angekommen ist, zur jährlichen Modenschau nach Paris fliegen. Andy sagt Miranda, wieviel die Reise ihrer Kollegin bedeute. Miranda deutet an, dass nur die Teilnahme an der Reise Andys Job sichere.

Andy ruft Emily an, um ihr die schlechte Nachricht mitzuteilen, Emily hatte sich seit Monaten auf diese Reise gefreut. Sie ist gerade in den Straßen New Yorks mit Besorgungen für Miranda beschäftigt, während des Telefonats wird sie, da sie einen Moment unachtsam ist, von einem Auto angefahren und verletzt, sie muss daraufhin ins Krankenhaus.

In Paris angekommen, begegnet Andy zufällig dem Reporter Christian Thompson. Die beiden liefen sich bereits zuvor häufig über den Weg, ihm verdankt sie auch das Harry-Potter-Manuskript. Christian hat bei den Begegnungen nie seine Zuneigung zu Andy verheimlicht. Auch hat er Andy des Öfteren vorgeschlagen, sie mit anderen Journalisten bekanntzumachen, um ihr zu einem anderen Job zu verhelfen. Beiden Angeboten hatte Andy bislang immer eine Absage erteilt. In Paris verbringen die beiden miteinander eine Nacht.

Nigel will aus der Redaktion aussteigen und den Job des Geschäftsführers eines Modeunternehmens übernehmen. Er freut sich und feiert gemeinsam mit Andy. Sachs erfährt von Thompson, dass die Position Mirandas eine andere Frau übernehmen soll. Sie versucht, Priestly zu warnen, wird aber abgewiesen. Während eines Empfangs verkündet Priestly, die gut bezahlte Stelle des Geschäftsführers solle nicht Nigel, sondern die Frau übernehmen, die als ihre Nachfolgerin gehandelt wurde. Nigel ist niedergeschlagen.

Später, während einer Autofahrt, sitzt Andy zusammen mit Miranda auf dem Rücksitz. Miranda offenbart, dass sie über ihre drohende Entlassung gewusst und rechtzeitig gehandelt habe. Sie habe dem Besitzer der Zeitschrift gedroht, gemeinsam mit ihr würden die Zeitschrift Models verlassen, die sie im Laufe der Jahre entdeckt habe. Sie stellt fest, dass sich Andy sehr verändert habe und deutet Ähnlichkeiten zwischen ihnen beiden an. Andy spricht an, was Miranda Nigel angetan habe. Miranda erwidert, Andy habe dasselbe ihrer Kollegin Emily angetan.

Nach dem Aussteigen entfernt sich Andy unbemerkt aus dem Trubel. Nach kurzer Zeit stellt Miranda fest, dass ihre Assistentin einfach gegangen ist und versucht, sie anzurufen. Andy wirft daraufhin das Handy in einen Springbrunnen.

Andy bewirbt sich um einen neuen Job als Redakteurin einer New Yorker Zeitung. Der Chef der Zeitung bekommt von Miranda ein Fax, in dem sie Andy als „größte Enttäuschung“ bezeichnet. Weiterhin steht dort, dass der Manager ein „Idiot“ wäre, wenn er Andy nicht einstelle. Andy bekommt daraufhin den Job. Gleichzeitig findet Nate eine neue Anstellung in Boston.

Andy sieht auf der Straße Miranda, die in ihr Auto einsteigt. Sie winkt ihrer ehemaligen Chefin zu, diese tut jedoch so, als ob sie Andy nicht bemerkt hätte. Im Auto nimmt sie ihre Dunkelbrille ab und lächelt.

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“Das wars.” Meryl Streeps bzw. Armanda Priestlys Lieblingssatz. Nicht teuflisch sondern göttlich ist es wie Meryl Streep hier die vor arroganz strotzende Runaway-Chefredakteurin Aramanda Priestly gibt. Der Film ist ein Unterhaltungsfilm durch und durch. Immer wieder gibt es sartirische Seitenhiebe auf die Modeindustrie, aber der Film ist weit davon entfernt wirklich gesellschaftskritisch zu sein. Ich habe mich lange dagegen gewehrt den Film zu kucken, sogar als er bei uns im Kino lief hab ich ihn boykottiert, aber als dann der Wunsch nach was seichtem kam dachte ich mir ok, so schlecht wirds schon nicht werden. Und ich muss sagen es hat sich durchaus gelohnt, “Der Teufel trägt Prada” ist ein Film den man zum absacken immer mal wieder kucken kann. Die Wandlung Andys vom häßlichen Entlein zur modebewußten 1. Assistentin von Miranda macht Spass und allein Meryl Streep macht diesen Film mehr als sehenswert.

8.5 / 10

Handlung (Wikipedia)
Der Psychologe Kris Kelvin wird zu dem weit entfernten Planeten Solaris geschickt, dessen Erforschung sich seit längerem in einer Krise befindet. Man nimmt an, dass die dort stationierten Wissenschaftler psychisch verwirrt sind. Vor der Abreise, besucht Kelvin seinen Vater. Dieser hat seinen Freund Berton eingeladen, weil Berton meint, dass seine Erfahrungen , die er bei einer Mission auf Solaris gemacht hat, wichtig für Kelvin sein könnten. Die Weltraumreise selbst wird nur angedeutet, Kelvin findet sich unvermittelt auf der Raumstation wieder.

Die Forschungsstation, die über dem von einem riesigen Ozean bedeckten Planeten schwebt, befindet sich ebenso wie die beiden Wissenschaftler Snaut und Sartorius in einem chaotischen Zustand. Gibarian, der dritte Wissenschaftler, hat sich umgebracht. Kelvin, der zunächst nur übermüdet und irritiert wirkt, wacht am nächsten Morgen in seiner Kajüte neben einer jungen Frau auf: Er erkennt seine tote Frau Harey, für deren Selbstmord er sich verantwortlich fühlt. Bald erfährt Kelvin, was es mit dieser Erscheinung auf sich hat: Der rätselhafte Ozean, der Intelligenz zu besitzen scheint, wurde mit harter Röntgenstrahlung „gereizt“ – anscheinend antwortet er darauf, indem er Inhalte aus dem Gedächniss der Wissenschaftler, die das Gewissen betreffen, materialisiert.

Im Mittelpunkt der Handlung stehen nunmehr Kelvins Versuche, sich mit „Harey“ auseinanderzusetzen. Einmal schießt er sie mit einer Rakete in eine entfernte Umlaufbahn – es nützt ihm nichts: Harey taucht alsbald in einer zweiten, völlig identischen Gestalt wieder in seiner Kajüte auf. Die beiden anderen Wissenschaftler – Snaut, der resigniert hat, und Sartorius, der verbissen an einer Methode zur Neutralisierung der Wirkungen des Planeten arbeitet – werden zusehends zu Randfiguren. Harey, die zunächst nur Kelvins Erinnerungen an sie entspricht, entwickelt ein Bewußtsein von sich selbst: Weil sie ein Gespräch belauscht hat, weiß sie, dass sie ein Duplikat der erinnerten Harey ist. Indem sie diese Tatsache akzeptiert, tritt sie als eigenständige Persönlichkeit auf, und Kelvin nimmt sie als solche an. Er ringt sich zu dem Entschluss durch, bei ihr auf der Station bleiben zu wollen. Harey möchte nicht, dass Kelvin ihretwegen leiden muss und lässt sich von Sartorius durch einen “Anihilator” vernichten. Durch das dem Ozean übermittelte Elektroenzephalogramm, der eine Aufzeichnung von Kelvins Hirnaktivität im Wachzustand ist, setzte die Wiederkehr der Materialisierungen aus. Der Film endet in visionären Bildern: Aus Kelvins Gedanken hat der Ozean “Gedächtnisinseln” extrahiert. Auf einer “Gedächnissinsel” sieht man, wie Kelvin zurückkehrt zu seinem Vater und vor ihm auf die Knie fällt.(Tarkowskij benutzt hier das Bild aus dem Jesusgleichniss ” verlorener Sohn”)

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Nachdem 40 Minuten absolut nichts passiert ist und die Handlung nicht wirklich vorangeschritten ist habe ich dann beschlossen mir das nachts um drei nicht weiter anzutun und hab den Film ausgemacht. Vielleicht setze ich ihn irgendwann fort aber, na ja, gibt noch viele andere filme die gesehen werden müssen

Einer der mysteriösen Filme meiner Jugend. Mysteriös deshalb weil ihn die meisten meiner Freunde damals kannte und gesehen hatten, nur ich nicht. Und so als 10 – 12 jähriger das ist Stephen King ja echt noch etwas vor dem man Respekt und bei einem FSK 18 Film mit einem bösen Clown ist man eigentlich auch gar nicht so traurig ihn nicht gesehen zuhaben.
Doch heute war es dann soweit. Keine Vorkenntnisse und eigentlich auch keine Erwartungen hatte ich an / von dem Film. Eigentlich war mir klar, dass es sicher wieder nur so ein schlecht gemachter Pseudohorrorfilm sein würde.
Bereits nach fünf Minuten war mir klar, dass Es doch etwas mehr bieten könnte. Die Idee, die gealterten Protagonisten die Bedrohung mittels Erinnerungen aus ihrer Jugend erleben zulassen und sie so dem Zuschauer vor Augen zu führen ist sehr gut gewählt. Zu den jugendlichen passt diese Angst vor Es, dem bösen Clown viel besser als zu gealterten Mitvierzigern.
So ist der Film im Grunde zweigeteilt. In den ersten 90 Minuten wird die Jugend der Charaktere erzählt und die Ereignisse von damals gezeigt. In den folgenden 90 Minuten sehen wir dann die 30 Jahre älteren Personen und wie sie ihren Schwur erfüllen Es erneut zu bekämpfen, wenn es je zurückkehren sollte.

Auf DVD bekommt man den Film als Flipper, man muss als nach 90 Minuten die DVD umdrehen. Wer dies nicht tut und einfach nur die erste Hälfte kuckt macht nichts falsch. Der Film flacht in der zweiten Hälfte deutlich ab. Horrormäßig ist er im Grunde nie. Tim Curry als Pennywise der Clown macht vielleicht zehnjährigen Angst aber sicher keinem Erwachsenen. Auch sind die jugendlichen Darsteller bei weitem besser und glaubhafter als ihre erwachsenen Alter Egos.

Die erste Hälfte lädt eindeutig dazu ein, den Film mitzuverfolgen, die zweite Hälfte und gerade das enttäuschende Ende langweilen ziemlich. Hoffentlich wird das für 2009 geplante Remake besser.

5.5 / 10

1944 Spanien. Der Bürgerkrieg ist gerade vorbei, das faschistische Franco-Regime ist an die Macht gekommen. Die junge Ophelia zieht mit ihrer hochschwangeren Mutter in die Berge in einen Außenposten des Militärs zu ihrem Stiefvater Hauptmann Vidal, welcher dort die letzten Rebellen die sich in den Wäldern der Berge verstecken ausräuchern will und dabei mit brutalsten Mitteln vorgeht.
Die Geburt steht unmittelbar bevor und Vidal will, dass der Sohn beim Vater zur Welt kommt.
Schon kurz nach der Ankunft wird Ophelia von einem mysteriösen Insekt in ein naheliegendes Labyrinth gelockt, wo sie einen Faun entdeckt, der ihr eröffnet, dass sie eine verlorene Prinzessin sein und einen Monat Zeit hätte, drei Prüfungen zu bestehen, um zu beweisen, dass sie wirklich die Wiedergeburt der verschollenen Prinzesin sei.
Der Film enthält mehrere Handlungsstränge.

Da ist zum einen Hauptmann Vidal. Er ist, leider muss man fast sagen, der interessanteste Charakter im Film. Er ist überaus brutal und in wirklich jeder einzelnen Szene mit ihm wird uns gezeigt, was für ein böser und widerwärtiger Mann Vidal ist. Ganz zu Anfang des Films werden ihm zwei Dorfbewohner vorgeführt, die angeblich die Rebellen in den Wäldern versorgt haben, sie selbst behaupten sie hätten Hasen gejagt. Nachdem die Männer nicht gestehen wollen, zerschlägt Vidal einem der Männer mit einer flache das Gesicht bis zur Unkenntlichkeit so dass er schließlich stirbt. Der andere wird kurzerhand erschossen. Bei der Durchsuchung der Taschen stellt sich heraus, dass sie tatsächlich Hasen gejagt haben.
Es besteht ein ständiger Konflikt zwischen den Rebellen und Vidal und seinen Männern, er spürt eine Feuerstelle von ihm auf, sie überfallen sein Lager und rauben die Vorräte aus dem Lager. Bei der anschließenden Verfolgung wird einer der Rebellen gefangen genommen und im Stützpunkt von Vidal mit verschiednen Folsterinstrumenten bearbeitet. “Das erste brauche ich damit du redest, dass zweite damit du die Wahrheit sagst und nach dem dritten Glaub ich dir”. Der arme Mann wird aufs brutalste entstellt ist mehr tot als lebendig.
Diese Szenen werden uns auch äußerst detailliert gezeigt. Sowohl die Zertrümmerung des Gesichts als auch der gefangene Rebell nach seiner Folter.
Das ist wahrlich kein schöner Anblick und definitiv nichts für schwache Gemüter, ein Kinderfilm ist Pans Labyrinth defintiv nicht, die Brutalität in Vidals Szenen ist teilweise schon sehr extrem.

Dann ist d adie Geschichte von Mercedes und dem Arzt Vidals. Mercedes ist Haupthausfrau in Vidals Lager und bedient ihn und erüllt seine Wünsche und erträgt seine Launen. Sie kümmert sich um Ophelia, nachdem es ihrer Mutter immer schlechter geht. Sie ist aber acuh die Schwester des Anführers der Rebellen und versorgt sie nachts unter Einsatz ihres Lebens mit Medikamenten, Nahrung und überbringt Briefe von Angehörigen. Der Arzt kümmert sich um ihre verwundeten.

Und dann ist da naürlich noch die keine Ophelia, ein junges Mädchen von etwa 14 Jahren. Sie ist an einem Ort an dem sie gar nicht sein will, ihre Mutter ist dem Tode nahe und ihreren Stiefvater kann sie nicht ertragen und sie hat große Angst bei ihm bleiben zu müssen, falls ihre Mutter stirbt. Der Faun hat ihr drei Prüfungen auferlegt, bei denen sie tief in einem Baum einer überdimensionalen Kröte einen Schlüssel abjagen muss, mit diesem Schlüssel ein Schloß in einem Saal mit einer reichlich gedeckten Tafel öffnen muss, ohne davon zu naschen und aus dem Kasten einen Dolch holen und schließlich soll sie dem Faun ihren Bruder übergeben damit dieser mit dem Dolch das Blut eines unschuldigen vergießen kann, nicht viel, nur ein Kratzer, damit sie schließich als Prinzessin in ihr Reich zurückkehren kann.

Dieser Film hat wirklich teilweise wunderschöne Bilder, gerade die Szenen mit Opelia sind ein optischer Hochgenuß, währrend die Szenen mit Vidal ein Kontrastprogramm der Grausamkeit bieten. Ich hatte der Werbung nach den Film als eine Art Märchen für erwachsene verstanden, eine Mischung aus Amelie, Big Fish und Alice im Wunderland. Doch leider ist er dass nicht und er ist Meilen davon entfernt ein Meisterwerk zu sein.

Das Drehbuch ist einfach grottenschlecht. Die Rebellen sind selten dämlich und präsentieren Mercedes Vidal Quasi auf dem Silbertablett, der Stützpunkt wird überfallen, das Lager leer geräumt, aber die Tür ist absolut intakt und das wo doch Mercedes den einzigen Schlüssel gegeben hat. Tröstlicherweise liegt diese Dummheit wohl in der Familie. Nachdem Mercedes enttarnt worden ist und die Gelegenheit hat, Vidal zu töten piekst sie ihn ein wenig mit dem Messer droht damit ihm den Rest zu geben aber lässt ihn dann doch natürlich leben, und dies geschieht einfach nur aus dem Grund, weil das Drehbuch ihn später zwingend noch braucht.

Auch die Verknüpfung von Ophelias Phantasiewelt mit der Realität ist gründlich mißlungen, der Grund ist ganz einfach, es gibt keine Verknüpfung. Die eine Welt hat mit der andere nichts zu tun, man fragt sich öfter nach dem Grund für die Entstehung dieser Welt. Klar, eine Flucht vor den Grausamkeiten der Realität mag mancher sagen. Aber das einzige was wir sehen, ist das Ophelia Vidal nicht mag. Dass sie etwas von seinen Grausamkeiten mitbekommt und Zeuge der brutalen Welt des Krieges wird, wird uns nicht einmal gezeigt. Außerdem fragt man sich nach dem Sinn dieser Prüfungen und wo sie hinführen sollen.
Spoiler: hätte vidal ophelia am ende nicht erschossen wäre eine auflösung gar nicht denkbar gewesen und das ist ziemlich schwach SPOILERENDE.
Leider muss man auch sagen dass Ophelia absolut fehlbesetzt ist. Ivana Baquero ist eine kleine Nervensäge die nicht wirklich schauspielern kann und der beiweitem das Potential fehlt diesen Film zu tragen. Gerade diese Figur muss man als Zuschauer unbedingt ins Herz schließen können, das gelingt aber nur sehr bedingt. Auch ihr selten dämliches Verhalten in der Traumwelt (verbotenes Essen der Trauben, nicht einhalten der Zeitvorgabe, etc.) trägt nicht gerade dazu bei dass man sie ins Herz schließt, außerdem ist dieses Verhalten nicht nachvollziehbar.
Die Phantasiewelt hat auch nichts mit der realen zu tun, es gibt nie einen Auslöser nachdem sie sich flüchtet, es wrd einfach nach belieben hin und hergewechselt.

Dieser Film besticht weniger durch seine Darstellung einer Phantasiewelt als durch das Aufzeigen der erschreckenden Realität des Francoregimes, dem man als einzelenen Individuum hilflos gegenübersteht. Damit verfehlt dieser Film aber seinen eigenen Anspruch und ist für mich gescheitert.

Und die Kameraführung ist absolut anstrengend, ständig steht die Kamera hinter irgendeinem Baum, was mit zunehmender Filmdauer immer anstrengender wird.

Der Film bietet viele gute Ansätze, scheiter aber deren Ausarbeitung und Verknüpfung. Die Bilder können aber damit versöhnen und gesamtgesehen kann der Film auch durchaus unterhalten. Es sind nur leider die vielen kleinen Details und vor allem das miese Drehbuch, die leider ein Meisterwerk verhinder

5.5/ 10

P.S.: Viele Rechtschreibfehler sind momentan darauf zurückzuführen, dass mein Laptop eine Fehlfuntktion hat und der Cursor manchmal vor den gerade geschriebenen Buchstaben springt. Ein unkorrigiertr Satz wüde dann so aussehen und das macht sowo das tippen as auch das lesen auf auer etwas anstrengend, daher bitt ich um nachsicht.edllhrep

Nicolas Cage und John Travolta in einem der wohl besten John Woo Filme überhaupt.
Sean Archer ist Chefermittler einer Sondereinheit des FBI und ist seit zehn Jahren damit beschäftigt den Superverbrecher Castor Troy dingfest zu machen. Als es Archer schließlich gelingt Troy hochzunehmen kommt dieser dabei fast um und liegt fortan im Koma. Doch die Freude über den Erfolg währt nur kurz, denn Troy konnte zusammen mit seinem Bruder eine verheerende Bombe irgendwo in L.A. zu verstecken. Troys Bruder hat zwar überlebt, zeigt sich aber wenig kooperativ. Archer hatte eigentlich beschloßen, nach diesem Erfolg beruflich kürzer zu treten und sich mehr um seine unter dem Job leidende Familie zu kümmern, doch er erklärt sich bereit, mittels eines neuen Vefahrens in die Rolle Troys zu schlüpfen. Er lässt sich Troys Gesicht transplantieren und schlüpft so in dessen Rolle, um im Knast Kontakt zu Pollux, Troys Bruder aufzunehmen. Er erfährt den Ort an dem die Bombe deponiert ist und wähnt seinen Auftrag erfüllt. Doch dann bekommt er Besuch. Troy ist aus dem Koma erwacht und hat den zuständigen Arzt gezwungen, die gleiche OP an ihm vorzunehmen, so dass Troy fotan mit Archers Äußerem herumläuft und Archer sich den Rest seines Lebens in der Superhaftanstalt gefangen sieht. Doch er wagt und schafft den Ausbruch und die Jagd nach der eigenen Identität beginnt.

Beide Männer schlüpfen in die Identität des anderes. So müssen auch die Schauspieler jeweils den Stil und die eigenarten des anderen kopieren. Beide Charaktere nehmen so direkt Teil am Leben des anderen wie es nur möglich ist. Beide erkennen die Probleme des anderen und in vielen Szenen wird deutlich, dass der jeweils andere vieles im ihm eigentlich fremden Leben besser machen könnte. Doch im Grunde hängen beide an ihrem eigenen Leben und wollen es wieder. Und so werden wir Zeuge dieses temporeichen Actionspektakels bei dem schon allein die Anfangssequenz atemberauben ist, aber auch das Hightechsupergefängnis ist hervorragend in Szene gesetzt worden, genau wie die Einblicke ins Leben des anderen immer zu begeistern wissen. Das Erzählen der Geschichte wechselt sich geschickt mit hervorragenden Actionsequenzen ab – so muss ein Actionfilm aussehen. Die Story ist natürlich absolut fiktiv und unrealistisch, aber sie ist wenigstens mal interessant und lässt Platz für einen gewissen Tiefgang und gibt den Schauspieler wenigstens mal die Möglichkeit auch ein wenig schauspielerisches Können unter Beweis zu stellen.
Warum kann es nicht mehr Actionfilme dieser Güte geben?

9 / 10

Paris je t’aime (Joel Coen, Ethan Coen, Tom Tykwer, Sylvain Chomet, Alfonso Cuarón, Gérard Depardieu, Jean-Luc Godard, Vincenzo Natali, Alexander Payne, Walter Salles, Suwa Nobuhiro, Gus van Sant, Bruno Podalydès, Gurinder Chadha, Isabel Coixet, Olivier Assayas, Oliver Schmitz, Richard LaGravenese, Wes Craven, Frankreich 2006)
Cinema Göttingen

Paris je t’aime ist ein wunderbares kleines Filmjuwel. 21 Regisseure haben sich zusammengefunden um 18 kleine Geschichten vor dem Hintergrund der Stadt der Liebe zu erzählen.
Bei der Masse an Geschichten bleibt jeder natürlich wenig Zeit für ihre volle Entfaltung, aber gerade das macht den Reiz aus. Was kann uns ein Regisseurin fünf Minuten vermitteln, wie sehr können einen solchen kurzen Momentaufnahmen gefangen nehmen.

Die Bandbreite der erzählten Geschichten ist riesig. Die meistens haben menschliche Schicksale und Begnungen zum Inhalt. Der werden surreale Geschichten aus Fernost, gefolgt von eine Vampirgeschichte aufgezogen im Stile Sin Cities. Aber auch die einfache oder eher unmögliche Parkplatzsuche im Herzen Paris’ ist Thema und man begegnet dem Geiste Oscars Wildes.

Alle Geschichten sind gut und viele bleiben auch hängen. Eindrucksvoll ist z.B. die siebte Geschichte “Bastille” von Isabel Coixet in der ein Ehemann sich mit seiner Frau in einem Bistro trifft. Er hat seit längerer Zeit eine junge geliebte und möchte seine Frau für sie verlassen, was uns in Rückblenden gezeigt wird. Als sie schließlich kommt und er ihr seinen Entschluß gerade mitteilen möchte fängt sie bitterlich an zu weinen. Er denkt sie ahnt was er ihr erzählen möchte, doch dann eröffnet sie ihm dass sie Krebs hat und vermutlich nicht mehr lange zu leben hat. Sofort wirft er all seine Pläne über den Haufen und beschließt die restliche Zeit die ihr noch bleibt bei ihr zu bleiben und ihr den Abschied so angenehm wie möglich zu machen. Auf Grund all der Mühe und Energie die er darin investiert seine Frau glauben zu machen wie sehr er sie liebt kehren seine Gefühle fürsie wieder zurück. Um so schmerzhafter ist der Verlust für ihn, als sie schließlich ihrer Krankheit erliegt.

Eindrucksvoll ist auch die Geschichte von Tom Tykwer, die von Thomas, einem blinden jungen Mann erzählt, dessen Freundin, Schauspielerin Francine (Natalie Portman) am Telefon mit ihm Schluß macht. Die folgenden fünf Minuten lässt er in Gedanken ihre Beziehung Revue passieren und sucht nach Gründen für das Ende. Doch der zweite Telefonanruf einen Tag später bringt eine unverhoffte Wendung.

Dieser Film erzählt so viele unterschiedliche Geschichten die gerade vor dem Hintergrunde der faszinierenden Metropole Paris funktionieren. Der Charme dieser Stadt kommt in jeder einzelnen Szene durch und betört den Zuschauer. Man muss sich einfach in diese Stadt verlieben.
Ich war vor fünf Jahren eine Woche in Paris und der Film hat viele Erinnerungen geweckt. Fest steht, wenn ich jemals im Lotto gewinnen werde, werde ich mir eine Wohnung in Paris anschaffen. Der Film schafft es voll und ganz das Flair dieser wundervollen Stadt zu vermitteln und sich ins Herzen des Zuschauers zu spielen. Unbedingt ankucken !

10 / 10

Heute bin ich mal faul und zitiere mal wieder Kino.de
“Ein furioser Schwenk, ähnlich Michael Ballhaus’ berühmter Kamerafahrt in “GoodFellas”, eröffnet das Spektakel, das allerdings Scorseses erstem persönlichen Film “Hexenkessel” deutlich näher steht. Ohne Schnitt hangelt sich Robert Elswits brillante Widescreen-Kamera vom “Boogie Nights”-Schriftzug über eine befahrene Straße im San Fernando Valley in eine brodelnde Disco – ein Hexenkessel für sich – und umkurvt zu den ekstatischen Klängen von “Best of My Life” alle Hauptfiguren dieser Moritat über den Zusammenhang von Tits & Ass und Kapitalismus. Da ist das blonde Nymphchen Rollergirl (Heather Graham), das mit Vorliebe die Hüllen fallen läßt, aber nie seine Rollschuhe ablegt, Pornostar Amber Waves (Julianne Moore), die sich als Übermutter aller jungen Darsteller ihrer Truppe annimmt, Jack Horner (Burt Reynolds mit seiner besten Schauspielleistung seit “Beim Sterben ist jeder der Erste”), ein Spezialist für “exotische Filme”, der davon träumt, Qualitätsfilme zu drehen, die das Publikum auch über den letzten Orgasmus hinaus an den Kinositz fesseln. Und schließlich ist da noch das 17jährige Pickelgesicht Eddie Adams (Mark Wahlberg auf Superstarkurs!), das vor dem heimischen Spiegel Bruce Lees Kung-Fu-Tricks übt und einzig auf sein eines, herausragendes Talent setzt. Ein Talent, auf das Regisseur Horner mit geübtem Blick aufmerksam wird, auch wenn es sich hinter knallengen Jeans verbirgt: Eddie verfügt aber nicht nur über Größe, sondern kann auch wann er will und so oft er will – das A und O für eine steile Karriere im Pornobusiness, die Eddie nach der Metamorphose zu Dirk Diggler als Mitglied von Horners schräger Familie einschlägt. Anderson folgt ihr in unglaublichen Szenen durch die Jahre, eine schier endlose Poolparty unter kalifornischer Sonne, die von dem Filmemacher mit einer Reihe unvergeßlicher Figuren bevölkert wird, die allesamt so spannend und unterhaltsam sind, daß sie eigene Filme tragen könnten. Im Mittelpunkt steht allerdings – wie schon in Andersons Erstling, dem Cannes-Beitrag “Last Exit Reno” (in Deutschland ab Januar als Videopremiere auf dem Markt) – eine ungewöhnliche Vater-Sohn-Beziehung, hier zwischen dem Träumer Horner und seinem Zögling Eddie.
Als Anderson den 70ern buchstäblich das Licht ausbläst und die 80er ihr häßliches Haupt regen läßt, folgt der Absturz: nach dem endlosen Kokain-High der hedonistischen Disco-Ära hält die eiskalte Yuppie-Ära und mit ihr Größenwahn und Kopfschmerz Einzug, die Eddie von seinem Mentor entfremdet. Ein wenig schematisch, aber doch nie klischeehaft erzählt Anderson vom schmerzhaften Erwachen und Eddies verzweifelten und komischen Versuchen, als Strichjunge, Van-Halen-artiger Rockstar (die Sequenz ist unbezahlbar – “Feel the Heat”!) und Kleinspurdealer wieder Fuß zu fassen, bis er in dieser Geschichte vom verlorenen Sohn von Horner in Gnaden wieder aufgenommen wird und sein sagenumwobenes Talent in der schon jetzt klassischen letzten Szene des Films endlich auspacken darf.
Aber Sex ist nicht das Thema von “Boogie Nights”, in dem das Pornobusiness weder verdammt noch glorifiziert wird. Für Anderson ist diese Szene von Freaks und schrillen Figuren einfach das Sammelbecken für eine Reihe unkonventioneller Charaktere, die sich zu einer tragikomischen Familie zusammenfinden, schneller, intensiver und extremer leben als die Masse und voller erzählenswerter Geschichten stecken. Entsprechend viel Freiraum gibt Anderson seinem begnadeten Ensemble in seinen großzügigen Bildkompositionen. Weil er den Rhythmus des Films seinen faszinierenden Figuren anpaßt und nicht, wie üblich, umgekehrt, erwachen sie geradezu plastisch zum Leben. Und “Boogie Nights” ist nicht nur deswegen so meisterlich, weil Anderson nahezu zehn Jahre pralles menschliches Drama in seine wunderliche Kreation packt, sondern weil dieser wilde, rastlose und häufig undisziplinerte Film auch dann interessant bleibt, wenn ihm sein ansonsten perfektes Feingefühl entgleitet. Dafür sorgen nicht zuletzt die Schauspieler, die allesamt auf der Höhe ihrer Kunst spielen und bei der nächsten Oscar-Vergabe erst einmal geschlagen werden wollen. Vor allem aber macht diese Annäherung an eine vermeintlich oberflächliche Ära, die aus dem prallen Leben schöpft wie kein anderer amerikanischer Film in diesem Jahr, unbändig viel Spaß, ohne daß er sich anmaßt, klüger zu sein als sein Publikum. Dieser Trip ist orgiastischer als es ein Jack-Horner-Film je sein könnte. ts.”

8.5 / 10

Ein ganz, ganz großes Meisterstück. Der imposanteste und eindrucksvollste aller Filme die sich mit dem Thema Drogensucht beschäftigen. So die überschwenglichen Kritiken und Lobeshymnen, die man überall lesen kann.
Das setzt natürlich hohe Erwartungen, doch hält der Film auch was er verspricht?

Der Titel ist sehr maßgebend für den ganzen Film. Ein Requiem ist eine Totenmesse. Und dieser Film veranschaulicht auf sehr drastische Weise wie Drogen einen Menschen kaputt machen können und ihm all sein Träume nehmen.
Da ist zum einen die Hausfrau Sara. Sie ist ein Fernsehjunkie und den Süßigkeiten verfallen. Als sie eines Tages annimmt, dass sie einen Auftritt in einer populären Quizshow gewonnen hat, möchte sie unbedingt wieder in ihr altes rotes Kleid passen, welches ihr mittlerweile allerdings dank der vielen Süßigkeiten nicht mehr passt. Also lässt sie sich von ihrem Arzt Appetitzügler verschreiben, die zum einen dafür sorgen, dass sie abnimmt, zum anderen aber drogenähnliche Wirkungen haben, in dem sie die Stimmung aufbessern und berauschend wirken.
Dann sind da ihr Sohn Harry und sein Kumpel Tyrone. Beide setzen sich gerne einen Schuß, wollen nun aber eher Geld machen als den schnellen Rausch und beginnen Zeug in großem Stil zu kaufen, zu strecken und dann weiterzuverkaufen.
Und dann ist da Harrys Freundin Mariann. Von ihren Eltern bekam sie statt Liebe immer nur Geld und somit geht sie völlig in der Beziehung zu Harry auf, doch auch sie ist drogensüchtig. Eines Tages versiegt die Quelle und Harry und Tyrone haben weder Zeug für den eigenkonsum noch zum Verticken. Also beschließen sie selbst direkt zur Quelle zu fahren um für Nachschub zu sorgen.

Währrenddessen wird Saras Sucht immer größer. Ihre Dosis an Pillen reicht nicht mehr aus, um die gleichen rauschartigen Zustände wie zuvor hervorzurufen. Sie erhöht selbstständig ihren Konsum und ihre Wahnvorstellungen beginnen immer schlimmer zu werden, bis sie schließlich sogar von ihrem Kühlschrank bedroht fühlt und ihn für ein fleischfressendes Monstrum hält. Sie beschließt endlich den genauen Termin für ihren Auftritt in Erfahrung zu bringen und begibt sich von ihrer Sucht gezeichnet zur Organisation die ihren Auftritt vermittelt haben soll, wo sie schließlich in Polizeigewahrsam genommen wird.
Mariann schläft zunähst einmalig mit einem alten Bekannten, um das Geld für Harrys Ausflug zu finanzieren. Natürlich nimmt das die junge Frau mit, aber sie hat von jemanden gehört, der noch Stoff hat, ihn aber nur an junge hübsche Frauen herausgibt, so dass sie schließlich in die Prostituon abbruscht.
Harrys Arm ist vom unsachgemäßen Drogenkonsum ziemlich zugerichtet, Tyrone beschließt ihn in ein Krankenhaus zu bringen, wo der zuständige Arzt sofort die Drogen sucht erkennt und die beiden schließlich eingesperrt werden. Doch Harrys Arm ist nicht mehr zu retten.

Ein normaler Film hat 600 – 700 Schnitte, Requiem for a Dream hat 2000. Die durchaus verschiedenen Arten der Süchte werden uns in einer Art Reizüberflutung dargestellt, die ihre Wirkung durchaus nicht verfehlt. Die Musik unterstreicht das bizzare Wesen der Sucht noch zusätzlich.
Wie weit ist man bereit für seine Sucht zu gehen? Wo liegen die Grenzen der Moral, wo die Grenzen der Menschlichkeit? Wo liegen die eigenen Grenzen.
Der Film wirft Fragen auf und beantwortet sie in eindringlichen Szenen. Mich hat leider die Art der Inszenierung nicht wirklich vom Hocker hauen können. Der Film ist in den ersten 45 Minuten relativ schwach und unspektakulär, erst nach sehr langen 45 Minuten bekommt die Geschichte auf einmal Fahrt und man wird mitgerissen in den Strudel aus menschlichen Abgründen.

7 / 10